Do mesmo autor da temporada anterior de Malhação (Emanuel Jacobina), Pro Dia Nascer Feliz é uma sequência de Seu Lugar no Mundo, com novas histórias e a continuação de alguns personagens e panos de fundo, como o colégio Dom Fernão e o Hostel. Do elenco da temporada anterior, continuam na nova Cynthia Senek, Gabriel Kaufmann, Laryssa Ayres, Amanda de Godói e Nego do Borel.
O diretor artístico, Leonardo Nogueira, comentou:
“A maneira de contar a história, com uma direção ágil, movimentada, que sempre busca aproximar a câmera do elenco e trazer o público para perto, vai permanecer. O conceito segue, mas muda a atmosfera, a história, o dia a dia. Teremos mais praia, por exemplo. É pegar o desenho que temos e colocar nessa nova vida que o Jacobina está criando.”

As gravações da temporada começaram em cidades paradisíacas do Ceará. Em Aquiraz, as praias e o completo turístico Beach Park serviram como set de gravação. Já em Beberibe, o Morro Branco foi a principal locação.

A temporada volta às origens de Malhação ao trazer uma academia como um dos principais panos de fundo. A diferença da Forma para as primeiras academias da série está, em grande parte, na variedade de atividades oferecidas. Segundo o cenógrafo Alexis Pabliano, o espaço atual é marcado por um design moderno e conta com recepção, lanchonete, área de musculação, spinning, ballet fitness, crossfit e até quadra de vôlei. Tudo distribuído em 738m². Todas as atividades funcionam para valer: o crossfit, por exemplo, é um box de 84m² construído com parede de alvenaria para prender as estruturas de ferro e possibilitar um treino real. Na área externa da Forma, que mede 246m², ficam localizadas arquibancadas, deck de madeira e a quadra de areia onde Gabriel (Felipe Roque) e Giovane (Ricardo Vianna) passam boa parte treinando.

Outra novidade da temporada é a lanchonete Vitamina. A estética dá valor à simplicidade: o piso é de cimento queimado e as paredes contam com grafismo e plantas. Haverá um ambiente de convivência com vitrola e discos dispostos na parede. O cardápio também segue a linha natural e contará com sucos orgânicos. Além disso, haverá um food truck com estética retrô. Ele contará com um “varal” de luzes iluminando o entorno, especialmente nas gravações noturnas.

Tema de Abertura: PRO DIA NASCER FELIZ

Todo dia a insônia
Me convence que o céu
Faz tudo ficar infinito
E que a solidão
É pretensão de quem fica
Escondido fazendo fita…

Todo dia tem a hora
Da sessão coruja
Só entende quem namora
Agora vão’bora…

Estamos bem por um triz
Pro dia nascer feliz
Pro dia nascer feliz
O mundo inteiro acordar
E a gente dormir, dormir
Pro dia nascer feliz
Pro dia nascer feliz
O mundo inteiro acordar
E a gente dormir…

Todo dia é dia
E tudo em nome do amor
Ah! Essa é a vida que eu quis
Procurando vaga
Uma hora aqui, a outra ali
No vai e vem dos teus quadris…

Nadando contra a corrente
Só pra exercitar
Todo o músculo que sente
Me dê de presente o teu bis
Pro dia nascer feliz
Pro dia nascer feliz
O mundo inteiro acordar
E a gente dormir, dormir
Pro dia nascer feliz
Pro dia nascer feliz
O mundo inteiro acordar
E a gente dormir…

Amizade e relações familiares são o fio condutor da trama escrita por Walther Negrão, Suzana Pires e Júlio Fischer.
Negrão explicou: “A partir desse mote, pensamos na força que poderia ter uma amizade entre duas famílias de origens e formações culturais tão diametralmente distintas como a italiana e a japonesa. Uma vez determinado esse eixo temático, passamos a criar nossa trama central, a história de amor de Mário e Alice, amigos de infância que cresceram juntos, oriundos, ambos, do seio dessas duas famílias que são os pilares de nossa história. E a grande questão que esse casal vai trazer para o espectador é: pode uma grande amizade se transformar num grande amor?”

Sobre as referências para construir a história, falou Júlio Fischer:
“Filmes da grande era do cinema italiano que surge no pós-guerra, as comédias românticas da dupla Katharine Hepburn e Spencer Tracy e, do lado japonês, a obra sensível e profundamente humana de cineastas como Mizoguchi e Yasujiro Ozu. A essas referências se juntaram outras tantas, da cultura pop, uma vez que a novela traz também o universo da praia, do motociclismo e do moderno.

Suzana Pires contou o que o público pode esperar de Sol Nascente:
“Um entretenimento que transportará o espectador para um cenário extremamente atraente, a cidade praiana de Arraial do Sol Nascente – um lugar sofisticado e banhado por praias paradisíacas, onde vivem personagens cujas histórias e embates cotidianos vão espelhar situações vividas no dia a dia de muitas famílias de nossos espectadores que, certamente vão se reconhecer em várias situações da trama.”

Diferentes culturas, sabores e estilos. Italianos, japoneses, uma comunidade de pescadoras, tatuadores, roqueiros, surfistas, motociclistas. Todos esses tipos se encontram na fictícia Arraial de Sol Nascente, cenário da novela, proporcionando às equipes de cenografia e produção de arte um universo rico em diversidade e detalhes.

“Muitos objetos coloridos compõem o cenário do núcleo italiano, que é alto astral e acolhedor”, explicou a produtora de arte Nininha Médicis. E, nas paredes da casa, fotos antigas de família e pratos temáticos coloridos. As cores ocre e mostarda serão predominantes neste núcleo. Também a presença de uma padaria artesanal de verdade, a Pane Madre, especialidade da família italiana.

Para a casa de Tanaka (Luis Melo), o patriarca da família japonesa, o clima minimalista dá o tom do cenário. O diferencial é a mescla de elementos e objetos das culturas brasileira e japonesa.
“Tanaka trouxe a alma japonesa para o Brasil e se adaptou também ao país. Ainda cultiva a serenidade, o jeito metódico e detalhista. E essa harmonia está presente também em sua casa”, explicou o cenógrafo Gilson Santos. Uma das novidades é a utilização de bambu na casa. Foram utilizados 3 mil bambus tratados para fazer a cerca da casa e 60 palmeiras tipo jerivá para compor o ambiente. Linear e com um lago de carpas e espaço para meditação, o lugar também tem um anexo que é o ateliê de Yumi (Jacqueline Sato), a artista plástica na história.

O Rota 94 é o bar gerenciado por Lenita (Letícia Spiller), que reúne ainda o estúdio de tatuagem de seu irmão, Ralf Tattoo (Henri Castelli), e um palco para apresentações musicais. Lenita, inclusive, solta a voz cantando clássicos do rock por lá. Ponto de encontro de jovens e moradores da cidade, o Rota 94 mescla uma estrutura de demolição com a modernidade da decoração inspirada nos bares temáticos americanos de motociclistas.

Para as caiçaras, o grupo de mulheres negras liderado por Chica (Tatiana Tibúrcio), foram confeccionadas várias redes e cestos que auxiliam na pesca em cena. As atrizes também aprenderam a caçar caranguejos e treinaram o movimento de jogar a rede corretamente no mar para pescar.
“Como elas se sustentam através da pesca artesanal, é importante termos elementos que retratam essa realidade do grupo”, explicou Nininha Médicis.

Como o Arraial do Sol Nascente é um balneário turístico com praias paradisíacas, reúne também muitos jovens praticantes de esportes. Tanto que foram confeccionadas quatro pranchas de stand up padle especialmente para as personagens das irmãs Yumi (Jacqueline Sato) e Hirô (Carolina Nakamura). A de Yumi tem estampas exclusivas florais e a de Hirô, formas geométricas com listras e bolas. Dois caiaques e doze pranchas de surfe também são usados nas gravações.

As gravações de Sol Nascente começaram na Região dos Lagos, no Rio de Janeiro. Ilha Grande, Arraial do Cabo e Búzios foram as locações escolhidas, envolvendo cerca de cem profissionais, entre elenco, direção, produção e figurantes. Em vinte dias de viagem, as Lagoas Verde e Azul, além das praias do Pontal, em Arraial do Cabo, do Forno, Azeda e Azedinha, Foca, Brava, Manguinhos e Tucuns, em Búzios, serviram de cenário para as primeiras cenas da novela. Dois caminhões com figurinos, dois caiaques, doze pranchas de surfe, quatro de stand up paddle, sete motos, redes e cestos de pesca foram levados para a região.

Em seguida, três caminhões repletos de material de cenografia, figurino e arte partiram do Rio rumo à capital paulista, mobilizando uma equipe de sessenta pessoas entre produção, elenco e figuração. A Avenida Paulista, o Masp, o Museu da Imigração, o bairro do Bixiga e ruas do centro foram algumas das locações escolhidas. A produção também viajou para Guararema, no interior de São Paulo, para captar imagens e fazer gravações.

Ralf, o tatuador vivido por Henri Castelli, vai ostentar nada menos que 22 tattoos espalhadas pelo corpo.
“O processo de aplicação das tatuagens leva cerca de três horas e os desenhos chegam a permanecer por cinco a sete dias no corpo”, explicou a caracterizadora Gilvete Santos, que utiliza uma película de silicone e caneta própria para tatuagem para fixar os desenhos.
Outros personagens tatuados são Lenita (Leticia Spiller), Felipe (Marcelo Faria), e Mário (Bruno Gagliasso).
Bruno Gagliasso, inclusive, assume na novela todas as suas verdadeiras tattoos. Seu personagem adota o estilo despojado. “Ele é o nosso James Dean”, definiu a figurinista Labibe Simão. Jeans, camisetas, coturnos, jaqueta de couro e acessórios como pulseiras e anéis dão o tom do personagem que também é motociclista.

Tema de Abertura: MINHA FELICIDADE – Roberta Campos

Quero ver o sol nascer
De novo aqui pra despertar
Tudo aquilo que senti
Guardei por nós nesse lugar

Você é um pedaço em mim
Eu quero viver em teus braços pra sempre
Pra sempre

Lembra aquele tempo, amor?
Onde a gente se encontrou
Foi ali que começou minha felicidade

Lembra aquele beijo, amor?
Quando a gente se encontrou
Foi assim que começou minha felicidade

Eu, você, o sol, o mar
E mais de mil paisagens pra testemunhar
Que eu seguiria muito bem a vida inteira
Sem me preocupar com a felicidade

Toda paisagem fica cinza sem você
Qualquer declaração de amor tão sem por que
Hoje é por isso que agradeço ao céu
Estar com você, estar com você
Hoje é por isso que agradeço ao céu
A felicidade…

A cidade de Recife é o palco para Justiça em que quatro histórias diferentes que se interligam em determinados momentos, sendo cada dia da semana dedicado a uma delas – exceto às quartas-feiras, quando a série não é exibida. A minissérie acompanha a vida de quatro personagens que foram condenados, passaram sete anos na prisão e tentam retomar a vida. A protagonista de segunda-feira pode ser uma coadjuvante na terça, uma figurante na quinta e ter uma aparição relâmpago na sexta.

As histórias são interligadas por um roteiro que leva a situações-limite nas quais os sentimentos mais humanos são revelados à flor da pele. A trama não trata de leis ou processos jurídicos, mas sim do conceito de justo sob o ponto de vista ético e moral. Perdão, vingança e arrependimento são alguns dos assuntos em pauta.

Essa história não narra a rotina dos tribunais nem questiona a aplicação das leis. É uma obra que, de maneira humana, propõe uma reflexão sobre o justo na prática, no cotidiano dos personagens envolvidos.

A autora Manuela Dias explicou: “Não é uma minissérie sobre o sistema penal, tratamos sobre o que é justo. São histórias ligadas por um tema e por uma cidade”
O diretor artístico, José Luiz Villamarim pondera: “Não é uma discussão forense. É uma provocação para o público. Saber o que é justo é uma questão particular”

As tramas de Justiça caminham independentes e paralelamente mas, quanto mais o espectador se aprofunda nelas, mais se torna capaz de entender as sutilezas de suas conexões. Um novo fato em uma das quatro tramas pode, por mais que pareça corriqueiro à primeira vista, se tornar uma pista importante no contexto de outro personagem.
Dessa forma, a narrativa se complementa entre protagonistas e coadjuvantes, que mudam de posição conforme a trama do dia. “Toda semana há um grande evento que une todas as histórias”, afirmou Manuela Dias.
Elisa (Débora Bloch), por exemplo, é patroa de Fátima (Adriana Esteves). Coadjuvante na história exibida às segundas, a doméstica é a dona de casa que tem seu caminho tranquilo interceptado pela crueza de Douglas (Enrique Diaz). E é ele mesmo, um policial preconceituoso, que não hesita em prender Rose (Jéssica Ellen), sob a acusação de tráfico de drogas.
Desde antes da prisão que mudou radicalmente sua vida, Rose mantém uma paquera com Celso (Vladimir Brichta), dono de um quiosque e sócio de Maurício (Cauã Reymond). O assistente de contabilidade trabalha para o pai de Vicente (Jesuíta Barbosa), noivo de Isabela (Marina Ruy Barbosa), filha de Elisa (Débora Bloch). Euclydes (Luiz Carlos Vasconcellos) é pai de Vicente, dono da GTransportes e sócio de Antenor (Antonio Calloni) que, em fuga, atropela a esposa de Maurício, Beatriz (Marjorie Estiano).
Esse emaranhado de ligações é reforçado pela autora, que construiu a minissérie amarrada por cenas que se repetem ao longo da exibição, mas sempre revelando pontos de vista de diferentes personagens. E assim, é possível passear por cada drama e experimentar as várias sensações que a reflexão sobre o que é justo pode trazer. “Criei uma trama no sentido de ter vários fios, que cercassem a percepção do justo. São histórias conectadas por um tema e uma cidade”, complementou a autora.

“A ideia é fazer do formato um atrativo e não uma dificuldade. A cada dia, a cada cena conjunta que une personagens das quatro tramas, o público vai ganhar um presente: uma mesma situação será vista por vários pontos de vista. E a cada repetição de cena, o público vai perceber algum detalhe novo”, explicou Villamarim.
“Nessa minissérie, forma é conteúdo. A ideia do formato e a ideia das histórias nasceram juntas. O que é justo depende do ponto de vista em que vemos a questão. Por isso, contar a história sob diversos pontos de vista é uma questão estrutural que explora o conteúdo trazendo uma nova forma narrativa”, complementou Manuela Dias.

A autora conta como surgiu a ideia da minissérie:
“A partir de um caso verídico: a moça que trabalhava na minha casa me pediu ajuda porque o marido estava preso por ter matado o cachorro do vizinho. Aquilo me deu um estalo sobre a esfera pessoal da questão das leis e punições. Observar a vida daquela mulher à beira da devastação depois desse acontecimento jurídico me mobilizou e acendeu a chama da minissérie.”

A equipe trabalha desde maio nas gravações, que começaram no Recife e seguem nos Estúdios Globo, no Rio de Janeiro.

Caracterizados com roupas que traduzem o espírito de Recife, das ruas, das pessoas que circulam pelo centro da cidade, os atores passaram por um processo de desconstrução. A encomenda foi de Villamarim, que pediu para deixar fora do set qualquer artifício que afastasse os personagens da realidade. Por isso, a equipe trabalhou com o mínimo de maquiagem e um figurino sem glamour. Nem mesmo as unhas das atrizes foram pintadas, à exceção das que trabalham no Snack Night Club.
Lu Moraes, a responsável pela caracterização dos atores, contou que antes de propor qualquer caminho, fez um levantamento para evitar que seus personagens se assemelhassem com antigos trabalhos dos atores envolvidos. Foi assim que nasceu a ideia de clarear os cabelos de Julia Dalavia e Vladimir Brichta, por exemplo. Lu abraçou o desafio proposto por Villamarim e passou a olhar para o elenco buscando o que é simples. “Aqui não há brilho, tampouco cabelos com cara de festa, tem gente com olheiras por noites mal dormidas. A história é fictícia, mas o que se sente ao conhecer os personagens é crível, humano, visceral”, esclareceu.

Das locações usadas em Recife aos cenários erguidos no Rio, a ordem também era a de criar ambientes reais. Em Pernambuco, muito pouco foi mexido nos locais escolhidos como cenários. Após sair da prisão, Vicente (Jesuíta Barbosa) vai viver em um apartamento simples, bem diferente de sua realidade antes de ser preso. O local escolhido foi um dos apartamentos do edifício Holiday, arquitetura colossal muito conhecida na cidade. Fábio Rangel, cenógrafo da minissérie, reforçou que a equipe entrou no apartamento, onde vivia uma família, e não mexeu em quase nada. “Não tiramos nada do lugar. Eu fiquei bastante impressionado ao ver os atores circulando naquele cenário. É muito realista”, disse.

Marina Ruy Barbosa praticamente emendou um trabalho no outro. Mal terminou as gravações da novela das sete Totalmente Demais (em que vivia a protagonista), a atriz foi gravar suas cenas em Justiça, como Isabela, vítima de um assassinato. Marina afirmou que o convite para viver a personagem era irrecusável, por conta da importância do projeto. Jéssica Ellen e Priscila Steinman, do elenco de Totalmente Demais, também deixaram a novela e entraram para Justiça.

HALLELUJAH – Rufus Wainwright
O QUE SERÁ (À FLOR DA PELE) – Caetano Veloso
PEDAÇO DE MIM – Chico Buarque e Zizi Possi
RISOFLORA – Elba Ramalho
DONA DA MINHA CABEÇA

O diretor José Alvarenga Jr. reforça a ideia de que Supermax é uma série inovadora e que transita por diversos gêneros além do suspense.
“Tem uma parte de thriller policial muito forte. Tem uma parte do horror, na qual os participantes mostram uma desumanidade inesperada. Assim como também tem romance”, disse em entrevista. Ele revelou ter recebido carta branca da emissora para “pirar nas ideias”.
“Ficamos livres para imaginar. A gente saiu do nosso meio comum e isso foi um grande exercício de imaginação. Não abrimos mão de nada. Foi gravado tudo o que foi escrito.”

Filmes e séries americanas de terror e fantasia também serviram de inspiração. Entre os roteiristas, gente de cinema e literatura, como Carolina Kotscho (do filme 2 Filhos de Francisco), Raphael Draccon (autor da trilogia literária de fantasia Dragões de Éter), Fernando Bonassi (do romance Luxúria), Braulio Mantovani (do filme Cidade de Deus) e Denisson Ramalho (especialista em filmes de terror).

“O formato de confinamento se encaixou perfeitamente na ideia da série”, explicou Fernando Bonassi, um dos criadores.
A partir do momento que o formato foi definido, uma pergunta inevitável veio à mente: “E se o Pedro Bial fosse o apresentador?”.
Alvarenga relembrou: “Não foi nada combinado e nem planejado. Aquela ideia maluca surgiu, eu decidi arriscar e ele topou. Sem dúvidas, foi um ganho.”

Supermax tem uma versão internacional produzida pela Globo. A série, dirigida pelo argentino Daniel Burman, foi a primeira produção da emissora para o mercado estrangeiro. A princípio, México (TV Azteca), Argentina (TVP), Espanha (Mediaset Espanã) e Uruguai (Teledoce) exibirão a história. Laura Neiva e Felipe Hintze são os atores brasileiros escalados para a produção, que também conta o espanhol Santiago Segura, o uruguaio César Troncoso, o cubano Rubén Cortada, o mexicano Alejandro Camacho e os argentinos Nicolaz Goldschimidt, Guillermo Pfenning, Laura Novoa, Alexia Moyano, Juan Pablo Geretto, Antonio Birabent e Cecilia Roth (musa do cineasta espanhol Pedro Almodóvar).

Mesmo sendo cenográfico, o presídio que ambienta a trama (tanto a nacional quanto a internacional) possui espaços reais e tecnológicos. A estrutura de três andares e 800m² foi erguida dentro de uma tenda de onze metros de altura, em uma das cidades cenográficas dos Estúdios Globo. O espaço comporta doze celas com portas automáticas, que oferecem cama e vaso sanitário para cada participante. Além disso, refeitório, cozinha e sala de TV são acessados através da grandiosa escada localizada na área comum.
“O cenário tem nove metros de altura, e um estúdio não comportaria isso. A tenda foi feita especialmente para a gente, com um piso cimentado. O único espaço que é um cenário é o quarto do pânico, que tem um espelho espião. O resto é todo de verdade, até a cozinha, com tudo funcionando”, explicou o cenógrafo Cláudio Domingos.
Para não perder nenhum detalhe e entrar de vez no clima do reality, onze câmeras foram espalhadas pelo cenário, sendo cinco vindas do Big Brother Brasil. Inclusive, os operadores dos aparelhos também foram “importados” do BBB.
Outro integrante que fez toda a diferença na equipe foi o francês Eric Catelan, especializado em steadicam (câmera que fica acoplada ao corpo do operador).
“Trabalhamos no limite da câmera, com pouca luz, aproveitando a sensibilidade do equipamento para evidenciar a atmosfera do espaço”, explicou o diretor de fotografia André Faccioli.

A Globo não esperou acabar a novela Haja Coração para estrear Supermax. Assim, num caso raro na emissora, atores das duas produções serão visto no mesmo tempo. No caso, as atrizes Mariana Ximenes e Cléo Pires.

Série de 12 episódios, escrita por Guel Arraes, Jorge Furtado e João Falcão, com direção artística de José Luiz Villamarim, exibida às terças-feiras, após a novela das 21 horas.

“Nossa história é uma ficção, com alguma liberdade criativa, sobre o nascimento daquilo que viria a ser uma paixão dos brasileiros: as telenovelas”, disse Guel Arraes em entrevista.

Apesar de se passar por volta da década de 1950, a série não tem caráter documental.
“A televisão é uma subtrama, um charme. Tem algumas informações, algumas curiosidades dos bastidores do início da televisão no Brasil, mas o drama pessoal, a história dos personagens é o foco principal”, informou Jorge Furtado.

Nada Será Como Antes não segue um rigor histórico.
“É ficção total, inclusive tem várias licenças que a gente toma, como quando foi a primeira novela. Novela diária só começou em 1962. Antes, era só às terças e quintas. É ficção baseada em fatos reais.”, explicou João Falcão.
“Fomos bastante fieis aos acontecimentos políticos, culturais, esportivos do país, mas tomamos muitas liberdades quanto à ordem dos acontecimentos na história da televisão”, complementou Guel.
José Luiz Villmarim salientou: “A série é baseada em fatos reais, mas é uma obra de ficção. No fim dos anos 50, por exemplo, a novela no Brasil era exibida duas vezes por semana. A nossa vai ao ar todos os dias. É interessante que tenhamos essa liberdade. Não é uma produção documental.”

Os figurinos unem o glamour e o dia a dia da sociedade das décadas de 1940 e 1950. Misturando essa ideia às referências de artistas, o figurinista Cao Albuquerque optou por trabalhar com uma paleta de cores mais sóbrias.
“Eu quis contar uma história em preto e branco num seriado que será colorido”, explicou. “Saulo [Murilo Benício], por exemplo, será um homem prático, de negócios, e estará sempre com coletes e suspensórios em tons de cinza ou marrom.”
Para Verônica (Débora Falabella), a principal referência foram as cantoras do rádio: “As cantoras tinham mais glamour naquela época, em que nossas grandes atrizes estavam do teatro.”

A ousadia no figurino estará no guarda-roupa de Beatriz (Bruna Marquezine). Como uma mulher à frente de seu tempo, a personagem não vai economizar nas transparências, rendas e decotes.
“A Beatriz tem um sex appeal que foi buscado na Jane Mansfield, na Rita Hayworth e na Marilyn Monroe, mulheres que revolucionaram sexualmente os anos 50”, analisou o figurinista.

Para a caracterização, as referências foram encontradas na moda da década de 1950.
“Fui em Channel, Cristian Dior e nos demais grandes nomes da moda. Para compor Saulo e Verônica, me baseei em um editorial de moda com Marcello Mastroianni e Anouk Aimée que, assim como a nossa personagem, usava cabelos curtos”, contou a caracterizadora Lu Moraes. A exceção é Beatriz, que teve seu visual inspirado na modelo contemporânea Dita Von Teese.

Os destaques, tanto no figurino quanto na caracterização, podem ser conferidos especialmente nos momentos em que a novela Anna Karenina for encenada dentro da série com roupas e perucas do século 19. Na série, as novelas ganham um requinte de produção para justificar o fascínio que a tevê viria a exercer, representando a sua força e poder. Além destes, outros momentos na trama que chamam atenção pela exuberância das roupas – tanto do elenco principal quanto da figuração – são o baile de carnaval e a festa de ano novo, dois acontecimentos que mobilizavam a sociedade carioca.

Responsável pela produção de arte de filmes como Ensaio Sobre a Cegueira, Cidade de Deus e Tropa de Elite, Tulé Peak faz sua estreia na TV. Tendo como ponto de partida o momento histórico em que se passa a série, Tulé trouxe para a produção de arte e para a cenografia, assinada em conjunto com Pedro Équi, esse contorno de progresso. A produtora de tevê e a casa de Saulo, são a maior representação dessa ideia de futuro que permeia toda série.
“Tudo que envolve o universo deste personagem tem um quê de vanguarda. Da casa em que ele vive à sua produtora, tudo deve representar esse olhar adiante”, revelou Pedro.

Na casa de Saulo o mobiliário e obras de arte privilegiam nomes brasileiros que despontavam na época, como Sérgio Rodrigues e Portinari.
“O estilo da casa de Saulo mistura o art déco e o modernismo arquitetonicamente, mas com uma decoração contemporânea da década de 50. Ele é um homem antenado a tudo o que rolava de mais moderno na cultura do seu tempo. Em contraposição, a casa de Pompeu (Osmar Prado), um homem apegado a tradição, tem um ar clássico, palaciano”, complementou Tulé.

O maior exemplo da cenografia e produção de arte como representação da visão de Saulo é a estação de trem do cenário da primeira telenovela produzida pela TV Guanabara, Anna Karenina. Ao produzi-la, Saulo deveria arrebatar o público e convencer os anunciantes sobre o potencial do gênero. Para tanto, não poupou esforços. O personagem recria em estúdio uma estação de trem russa, em pleno inverno, com direito a neve artificial e uma locomotiva de 15m de comprimentos por 3,5m de altura que se movimentava em um trilho de 100m de comprimento.
“Este foi um grande desafio, fazer com que o trem coubesse no estúdio, permitisse movimento e que fosse manual para ser algo apropriado para época. O material teve que ser o mais leve possível, mas com estrutura para comportar as pessoas”, contou Pedro Équi.
“A televisão nos seus primórdios era mais simples, um cenário como este não existiria. Mas a intenção é mostrar a ambição do Saulo e o crescimento dessa transposição do rádio para a tevê. Para isso, enobrecemos a produção, mas tivemos como base uma ampla pesquisa. Não é um registro histórico, mas temos parâmetros”, reforçou o produtor de arte Tulé.

Assim como este, outros cenários de novelas e programas foram inseridos no cenário da fictícia emissora. À época, era comum galpões industriais serem adaptados para estúdio. Sendo assim, os Estúdios Globo foram cenografados em 360 graus, como um galpão, dando a ideia de se estar em uma locação externa. A planta é em formato de U, de forma que a câmera circule com fluidez pelos ambientes da TV Guanabara, provocando diferentes sensações.
“As câmeras precisam percorrer os espaços. É um labirinto, um percurso. Elas vão acompanhando o ator, mostrando a dinâmica dos bastidores da televisão: camarins , corredores de serviço, swticher, área técnica de áudio e a sala do Saulo com vista panorâmica”, disse Pedro Équi.
Em relação aos objetos de época, como câmeras e rádios, muitos foram adquiridos de colecionadores e até mesmo de museus dando todo o charme da produção.

A produção musical – de Eduardo Queiroz – prima pela elegância e sofisticação e é parte fundamental da história de Nada Será Como Antes. Está presente o jazz dos anos 50, base para todas as performances do elenco, como o número de Beatriz em “The Man I Love”, de Billie Holiday. Em ocasiões como essa, o elenco tem suas vozes captadas ao vivo, para manter o calor e a emoção da cena.
Há mais de 90 intervenções musicais no roteiro, cada uma delas traz a nostalgia e o glamour do período. No repertório, canções que vão de Lamartine Babo e Silvinha Telles a Ella Fitzgerald e Nina Simone, entre outras.
Além das canções, há 25 músicas criadas para as vinhetas dos programas, radionovelas e telenovelas que se passam dentro da série. Para diferenciar essa trilha da trilha da narrativa dramática (dos personagens reais da série) foram compostos temas instrumentais originais, com uma estética mais contemporânea, menos presa ao estilo usado na época.

A Lei do Amor – cujo primeiro título pensado era Sagrada Família – iria entrar após A Regra do Jogo. Com a necessidade de realocar as ambientações do horário das nove (que há uma década não saía do eixo Rio-São Paulo), optou-se por uma trama rural e nordestina – Velho Chico – adiando assim a estreia da nova novela de Maria Adelaide Amaral e Vincent Villari – que estreiam aqui no horário das nove.

Ao todo foram quase 45 dias de viagem para gravar as primeiras cenas de A Lei do Amor. A equipe, formada por cerca de cem pessoas, viajou por quatro cidades diferentes: Piraí, no interior do Rio de Janeiro; Paraty, na região Costa Verde entre Rio e São Paulo; Campinas, no interior de São Paulo e a cidade de São Paulo. As gravações começaram em junho, por Piraí. Para cada local em que a equipe passou foram deslocados caminhões com material de arte, cenografia e figurino. Em Paraty, as gravações foram feitas no centro histórico da cidade, em uma praia deserta e até em alto mar, onde foram gravadas cenas que contaram com barcos, lanchas, veleiros e um catamarã. Um dos grandes eventos realizados em Paraty foi uma feira, em que artesãos locais participaram com artesanato em madeira, cerâmica e até cestaria. Em Campinas, a principal produção aconteceu para a quermesse da fictícia São Dimas, com direito a barraquinhas, parque de diversão e muita comida típica. A equipe gravou também na Estação Cultural e no Aeroporto de Viracorpos. O último destino foi São Paulo, com pouco mais de dez dias de gravação. As principais gravações foram realizadas em locais bastante conhecidos do público, como o Parque do Ibirapuera, a Pinacoteca, MAM, prédio da Bienal, Estação da Luz, Metrô da Sé, entre outros.

A caracterização teve participação ilustre de um vencedor do Oscar. Mark Coulier, premiado em 2015 por O Grande Hotel Budapeste e em 2012 por A Dama de Ferro, fez parte dos estudos de caracterização da primeira fase de A Lei do Amor. Logo no início da conceituação da novela, a diretora artística Denise Saraceni, junto aos caracterizadores Sumaia Assis e Fernando Torquato, e à figurinista Gogoia Sampaio se reuniram com Mark Coulier para desenvolver como essa história seria contada.

Isabelle Drummond e Cláudia Abreu já exploraram os traços parecidos vivendo mãe e filha na novela Geração Brasil (2014). Agora, para viver Helô em fases distintas, um charmoso detalhe de Cláudia precisou ser recriado: a famosa pintinha no queixo.
“Logo se viu que o ponto mais marcante para a semelhança das duas seria a pinta. Então ela foi confeccionada pelo nosso departamento de caracterização de efeitos. Depois de alguns testes, a pinta já era feita na coloração certa para a Isabelle. É muito fácil, a própria atriz que aplicava todos os dias”, explicou a caracterizadora Sumaia Assis.

Slogan de lançamento: Uma história de amor movida a música e uma história de música movida a amor.

Antes da estreia, o Domingão do Faustão fez uma ação de divulgação da novela, com a apresentação do cantor Léo Régis, vivido por Rafael Vitti, que lançou o clipe da “Sonha Comigo” (que tinha a participação da atriz Sophia Abrahão nas imagens). O ídolo da música pop animou a galera e foi até a plateia no final da apresentação.
De acordo com o script, Léo Régis, que já trabalhou como frentista em um posto de gasolina, revelou: “Todo mundo começa em algum lugar. Comecei cantando em festinhas de amigos e da família, agora estou aqui, com esse carinho imenso!”

Adaptação da novela mexicana Carita de Ángel, produzida pela Televisa entre 2000 e 2001 e exibida no Brasil, pelo SBT, entre 2001 e 2002 – que, por sua vez, é uma adaptação do original argentino Papá Corazón, de Abel Santa Cruz, que ganhou uma versão brasileira pela TV Tupi, Papai Coração, em 1976, com Narjara Turetta como a menina protagonista.

As tramas da atual Carinha de Anjo e de Papai Coração são as mesmas: a menina (Narjara Turetta/Lorena Queiroz) que conversa com a mãe falecida (Arlete Montenegro/Lucero), cujo pai (Paulo Goulart/Carlo Porto) está de casamento marcado com outra mulher (Joana Fomm/Dani Gondin) mas se apaixona por uma noviça professora da garotinha (Selma Egrei/Bia Arantes).

“Carinha de Anjo é uma novela doce, emocionante, divertida e musical. Crianças e adultos vão se divertir com as aventuras de Dulce Maria e se identificar com as novas famílias que integram essa versão da novela”, afirmou a adaptadora Leonor Corrêa sobre a primeira telenovela de sua carreira.

O SBT lança um novo talento para viver a protagonista de Carinha de Anjo: a menina Lorena Queiroz, de cinco anos.
“Fico encantada com o talento, carisma e dedicação dela. Esse é um trabalho que envolve a família da Lorena e todos esses profissionais que acompanham o dia a dia dos ensaios, preparação, bastidores, gravação, até a edição e sonorização final. Ela é mesmo uma carinha de anjo!”, elogiou Leonor Corrêa.
“Precisamos respeitar seus limites e ao mesmo tempo explorar o que ela tem de melhor: a espontaneidade. Agora que ela está super adaptada, se revelou uma atriz criativa e que tem sempre uma frase ou ação para agregar nas cenas. Isso é mágico e contagiante”, revelou o diretor Ricardo Mantoanelli.
“Dulce Maria exigia que a atriz reunisse uma série de qualidades que iam além do carisma, pois exigia maturidade, sem que isso a fizesse perder a criança que ela é. Encontramos isso na Lorena”, garantiu a diretora de elenco Márcia Ítalo.

A novela tem uma estrela internacional no elenco: a atriz, cantora e apresentadora mexicana Lucero – que foi atriz-mirim, participou da novela mexicana Chispita, exibida pelo SBT nos anos 80. Ela é a intérprete de Tereza, mãe da Carinha de Anjo. A equipe da novela conta como foi o processo de adaptação para essa personagem.
“Quando o diretor de Planejamento Artístico e Criação do SBT, Fernando Pelegio, sugeriu o nome de Lucero, ficamos todos muito empolgados, já que a atriz é querida do público brasileiro. A Lucero fala bem o português, mas é claro que o perfil de Tereza foi adaptado. A personagem nasceu no México, mas foi criada no Brasil”, contou a autora.
“É um privilégio trabalhar com ela. De cara virou uma espécie de madrinha do elenco e equipe. É doce, ativa, atenta a direção e possui energia de criança. Por isso foi imediata a química entre ela e Lorena”, elogiou o diretor.

O bem-estar do elenco mirim é um dos pilares das produções infantis do SBT. Por isso, além das crianças gravarem no máximo seis horas por dia, também possuem uma equipe qualificada que trabalha pelo desenvolvimento do dia a dia desses novos talentos. A emissora promove ainda palestras profissionais para instruir e orientar os pais dessas crianças. A fonoaudióloga Camila Mercatelli, a psicóloga Rosa Maria Naccarato, o preparador de elenco Ariel Moshe, a coach infantil Gisele Ramos e o professor de dança Eudóxio Júnior estabelecem um diálogo diário com o elenco e também com os pais dos atores mirins. O elenco adulto também recebe um cuidado especial, pois precisa entender e se adequar às dinâmicas necessárias para o trabalho com as crianças.

A direção musical da novela é assinada por Arnaldo Saccomani e Laércio Ferreira, com uma trilha sonora de canções inéditas e versões que não fizeram parte da novela original mexicana, com exceção da música de abertura, que desta vez foi regravada em português e também em espanhol, na voz de Lucero.
O ator Jean Paulo Campos (que interpreta o jovem cantor sertanejo Zeca) teve aulas de canto e aprendeu a tocar violão para viver seu personagem.
Há ao menos uma canção gravada em inglês na trilha sonora: “Oh Happy Day”, na voz dos coros do internato, com participação de Karin Hils, que interpreta a irmã Fabiana – numa clara referência à personagem de Whoopi Goldberg no filme Mudança de Hábito.

Os videoclipes também estão presentes em Carinha de Anjo, característica das novelas infantis do SBT.
“Há cinco núcleos musicais e todos terão videoclipes: Zeca (Jean Paulo Campos) e seu sertanejo de raiz, Juju (Maisa Silva) e seu pop adolescente, as freiras e seu coral, o coral das crianças com clássicos infantis e os temas lúdicos de Tereza”, disse Ricardo Mantoanelli.

A novela também trata de questões ligadas ao universo tecnológico, mas isso não significa apenas inserir na história celulares e outras parafernálias tecnológicas. O núcleo da personagem Juju Almeida (Maia Silva) é conhecido como “família conectada” e é nele aonde estão mais presentes as câmeras, os celulares e um pouco de ousadia com a linguagem em função da narrativa da web.
Antes da estreia da novela, foi lançado nas redes sociais o Vlog da Juju, que já possuía mais de um milhão de visualizações no Youtube antes da estreia.
“Por que a novela não pode continuar em outras plataformas depois de sair do ar? A Maisa é um fenômeno na internet e tínhamos que aproveitar mais esse talento dela. O resultado tem sido fantástico, nos números de views, na permanência (fidelidade) e na entrega da própria Maisa em cena”, afirmou o diretor geral.

A trama apresenta elementos tecnológicos para a produção das cenas, como na captação de algumas imagens utilizando a tecnologia 4K, assim como já aconteceu em alguns videoclipes da novela antecessora, Cúmplices de um Resgate.
“Usamos imagens de drone com captação 4K para localizar a cidade de Doce Horizonte, inspirada em um município de 500 mil habitantes do interior paulista. As cenas dos sonhos de Dulce Maria e sua mãe, Tereza, também mereceram um tratamento especial na luz, cenografia e pós-produção com efeitos especiais”, explicou Ricardo Mantoanelli.

As cenas da novela são gravadas nos estúdios 7 e 8, também na cidade cenográfica do CDT Anhanguera e em locações externas.
“A cidade cenográfica será um bairro da Doce Horizonte. Lá encontraremos a praça, a delegacia e o comércio.”, disse o diretor. Na praça fica um point dos personagens: o food truck do chef Vitor (Thiago Mendonça).
Já o casarão que serve de colégio das crianças fica numa fazenda em Itatiba (interior de São Paulo), próxima ao SBT.

A construção de toda parte cenográfica foi elaborada para traduzir a visão subjetiva, idealizada e inocente de Dulce Maria sobre o mundo e sua vida em Doce Horizonte.
“Buscamos dar um candy accent para a novela. O desafio é contar uma história triste de forma leve, divertida e doce, assim como é Dulce Maria”, explicou a diretora de arte e cenografia, Paula Utimura.

As diretoras de figurino, Cristiane Cândido e Jeane Figueiredo, contam que para a elaboração do figurino da novela, que conta com cerca de 5 mil itens, buscaram referências dentro do universo infantil ao pesquisarem sobre brinquedos e brincadeiras atuais para crianças de até cinco anos de idade.
“Como também temos um núcleo adolescente, observamos todo esse universo. Usamos como referência séries de TV, filmes, jogos, blogueiros e, claro, o mundo dos youtubers”, disse Jeane.
O figurino conta ainda com 25 modelos de perucas diferentes para a personagem Tia Perucas (Priscila Sol).
“São exatamente da mesma cor das roupas e acessórios usados no look. Somente um tom por look. Chegamos as cores utilizadas em uma pesquisa sobre as cores, quentes e alegres, que mais agradam as crianças”, concluiu Jeane Figueiredo.

Além de leituras dramáticas e improvisações, encontros com historiadores, antropólogos, filósofos e o próprio Milton Hatoum (autor do romance que originou a minissérie), Luiz Fernando Carvalho concentrou os atores em um processo de criação permanente, ministrando treinamentos que atravessaram várias técnicas para promover a criatividade e a unidade na interpretação.

“O recorte é protagonizado por imigrantes libaneses, mas essa mesma história poderia estar sendo contada numa família de japoneses, espanhóis, italianos ou portugueses, aqui e agora, em qualquer uma das culturas formadoras do nosso país. É a chegada de uma cultura de 8 mil anos, num país ainda criança como o nosso”, observou Luiz Fernando.

A equipe de produção fez uma busca por imagens de Manaus das décadas de 1920 a 1960 em arquivos no Brasil e exterior, que reforçavam o tom ao mesmo tempo memorialista e realista da obra. Entre elas, cenas do cotidiano da cidade, como navios no Porto, o bonde, a Cidade Flutuante, desfiles de 7 de Setembro, a volta dos Pracinhas na Segunda Guerra, manifestações estudantis durante o período da ditadura militar. O material foi encontrado em acervos estrangeiros como os do Institut Nacional de l’Audiovisuel (França), Library of Congress (EUA), Huntley Film Archives (Inglaterra) e Chicago Film Archive (EUA), e brasileiros como Cinemateca Brasileira, Arquivo Nacional e Acervo Jean Manzon.

Palco dos momentos felizes, dos amores e da tragédia da família, o casarão da Rua dos Barés se tornou, ao longo dos dez capítulos, símbolo da passagem do tempo na minissérie. A casa usada, interna e externamente, nas filmagens foi erguida nos Estúdios Globo com paredes de 50 centímetros de espessura, garantindo o tom realista. Numa homenagem ao mestre e amigo do diretor, Ariano Suassuna (1927-2014), sua fachada foi revestida com azulejos idênticos aos da casa onde viveu o célebre escritor, no Recife.
“O sobrado é uma metáfora do país, do sistema ora patriarcal, ora matriarcal, das leis que regem os afetos e o poder, dos opressores versus oprimidos, da formação do Brasil, da mistura do índio com o imigrante – está tudo ali. Esse caleidoscópio de afetos e cores está contando a história destes cruzamentos étnicos e estéticos que até hoje não pararam de se misturar. O restaurante Biblos é uma metáfora da gênese de como os povos se misturam em Manaus”, explicou Luiz Fernando Carvalho.

O sobrado fez parte de um conjunto de cerca de 30 edificações de influências francesa e inglesa, envelhecidas ao longo das filmagens pela equipe de pintura de arte e cenografia, para representar a passagem dos anos, a força da memória, e o processo de deterioração de Manaus no período em que se desenvolve a história. Nos anos 1930, os personagens vivem entre objetos de estética mediterrânea, como o espelho veneziano que Zana (Juliana Paes) herdou de seu pai. Com o fim da Segunda Guerra, o mundo começa a se modernizar e os móveis e utensílios mais nobres da casa vão dando lugar a eletrodomésticos e peças produzidas em série. No final dos anos 1960, quando o desgaste da família já é evidente, a melancolia aparece refletida no desgaste que toma conta das paredes, nos móveis antiquados e até no desbotamento da rede vermelha de Omar no alpendre. Louça kitsch, utensílios trincados e cada vez mais a presença do plástico emolduram a decadência e o desamparo dos personagens. Ao mesmo tempo, Manaus recebe sopros de uma modernidade forçada, trazidos pela criação da Zona Franca, em 1967. É quando começa um processo de descaracterização, que leva à arquitetura elementos como letreiros em neon, fiação elétrica desordenada e postes sem qualquer preocupação urbanística. No passar das décadas, no cenário de devastação do sobrado, reverberam a perda de identidade da cidade, a cisão da família e a violência do progresso em relação à floresta. Até que o drama atinja o grau máximo, e a descaracterização do lar seja de fato irreversível.

Além das gravações na cidade cenográfica, a equipe passou 15 dias, entre janeiro e fevereiro de 2015, filmando externas em Manaus, na cidade de Itacoatiara e nas praias do Rio Negro. Dois caminhões contendo maquiagem, figurino e equipamentos chegaram de barco à Amazônia. Apesar de soar como uma superprodução, as gravações aconteceram quase em caráter documental. Para dar conta da temperatura elevada, uma embarcação foi equipada para servir como ponto de apoio da equipe. Nela, o elenco fazia as trocas de figurino e se alimentava com um cardápio elaborado a partir da culinária típica local.
Durante a estadia em Manaus, as margens do Rio Negro eram percorridas diariamente até as praias banhadas, como a Praia do Iluminado e a Praia do Japonês – onde foi feita uma viagem a meados dos anos 1940, para representar a sequência em que Omar (Matheus Abreu) participa de uma competição de remo que envolve toda a cidade.

Do período de gravações in loco, também destacaram-se as cenas captadas na Aldeia Tamoios. Os índios, entre homens, mulheres e crianças, realizaram um ritual festivo para a emocionante sequência em que a personagem Domingas (Sandra Paramirim) regressa às origens para apresentar sua cultura ao filho Nael (Theo Kalper).

Com clara referência na série norte-americana Lost, Sem Volta apresenta um grupo de montanhistas que se perde em meio a uma expedição na floresta e que sofre com as intempéries de uma região perigosa.

“A série nasceu porque acredito que descobrimos a verdadeira natureza das pessoas quando as jogamos numa situação extrema. Aí vemos quem é egoísta, solidário, corajoso e covarde”, explicou o criador Gustavo Lipsztein, em entrevista ao jornal O Globo.

Assim como a própria Lost, a trama também aposta em flashbacks para contextualizar os personagens para o público, uma narrativa não tradicional, em que cada episódio não segue um tempo cronológico, mas entra na história pessoal de cada personagem.

Explicou Carina Schulze, da Chatrone, uma das produtoras responsáveis pelo projeto, em entrevista ao blog Natelinha:
“Tanto em Lost quanto em Sem Volta, o perigo pode surgir de qualquer lugar – da natureza, de alguma força externa, dos personagens que não conseguem lidar adequadamente com conflitos, ou até de alguma coisa interna de cada personagem. Isto faz com que o público sempre esteja em estado de constante alerta.”

Além da capital fluminense, a equipe de Sem Volta ficou três meses gravando nos municípios de Teresópolis, Casimiro de Abreu e Petrópolis, em lugares como a Agulha do Diabo, formação rochosa com 2.050 metros localizada no Parque Nacional da Serra dos Órgãos, em Teresópolis.

A produção promoveu um workshop de escalada para todos os atores do elenco e seus respectivos dublês.